Qualcuno può identificare questa uniforme dal sud-est asiatico?

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Qualcuno può identificare questa divisa? Sospetto che sia della prima guerra mondiale e sia stato scattato da un fotografo australiano... ovviamente non in Australia. Fa parte di una foto storica più grande... una lastra di vetro tra una collezione di lastre che sono state girate intorno al 1910-20

Ho aggiunto una 2° immagine di un'altra persona presente anche in divisa


Sembra birmano, uniforme della polizia militare. Una persona in divisa bianca potrebbe essere una serva? Il monaco tiene in mano un libro di preghiere in foglia di palma ( Pali )


Un breve sguardo alla storia delle monete Challenge nell'esercito

La storia delle monete da sfida militare è ampiamente dibattuta e la loro origine è radicata nella storia delle civiltà dai romani ai coloniali americani. Ma non c'è dubbio che le monete sfida militari siano una parte importante della cultura militare e sempre più nel mondo civile. Le monete sfida sono un ottimo modo per sollevare il morale, identificare la fedeltà e sono un modo fantastico per estendere il proprio apprezzamento dicendo "grazie" con una moneta in mano e una stretta di mano ferma. Inoltre, le monete sfida, in particolare nelle unità militari, dimostrano "prova di appartenenza" e affiliazione con un'unità o un elemento specifico che estende lo spirito di corpo e il morale nei suoi orgogliosi membri. Poi, c'è l'antica tradizione di sbattere la moneta contro la tua unità nei bar per vedere chi ha la sua. Chi è ultimo o senza compra il primo giro. Le tradizioni delle monete sfida unità risalgono alle guerre mondiali, ma la loro vera origine è intrisa di miti e leggende. Indipendentemente da ciò, le monete sfida sono divertenti da dare, ricevere e mostrare.

Oggi esploreremo la storia delle monete di sfida militare, esamineremo le loro possibili origini e spiegheremo come le monete di sfida militare si sono fatte strada alla Casa Bianca, al Congresso degli Stati Uniti e ai più alti livelli del Pentagono, come hanno insistito i leader di governo di alto livello le proprie monete sfida da presentare a destinatari meritevoli. Mentre l'origine specifica delle monete da sfida militare potrebbe non essere mai conosciuta, possiamo certamente far risalire la sua storia alla prima monetazione stampata dell'Impero Romano e dei suoi legionari.


7 fatti che non sapevi sulla tratta di esseri umani

La tratta di esseri umani, come definita dalle Nazioni Unite, è il “reclutamento, trasporto, trasferimento, accoglienza o accoglienza di persone, mediante la minaccia o l'uso della forza o della coercizione. a scopo di sfruttamento”. Secondo l'organizzazione senza scopo di lucro Human Rights First, si stima che 24,9 milioni di persone siano intrappolate in questa forma di schiavitù moderna, il più delle volte sfruttate per il lavoro o per il sesso.

Per fare luce sui fattori di rischio comuni e su ciò che viene fatto oggi per combattere la tratta, abbiamo parlato con Annalisa Enrile, professore associato clinico presso la Suzanne Dworak-Peck School of Social Work della USC, le cui aree di competenza includono il traffico sessuale, lo sfruttamento del lavoro migrante e giustizia globale.

1. Chi prendono di mira i trafficanti di esseri umani?

Secondo Enrile, chiunque può cadere vittima della tratta di esseri umani. Tuttavia, le popolazioni vulnerabili che hanno poca protezione sociale e legale sono le più a rischio. La maggior parte delle vittime sono donne, il 70%, e il rischio per le donne può aumentare ulteriormente nelle aree in cui prevale un'estrema discriminazione di genere.

Ulteriori fattori come l'impoverimento, la residenza in un luogo di instabilità politica, il razzismo sistemico duraturo, la sofferenza di un disturbo mentale o il coinvolgimento in bande possono aumentare la probabilità di vittimizzazione di una persona.

2. Dove avviene la tratta di esseri umani?

La tratta di esseri umani avviene in ogni paese, anche in paesi del primo mondo come gli Stati Uniti. "Non notiamo il traffico nel nostro cortile perché è spesso mascherato fisicamente o eufemisticamente", ha detto Enrile. "Ad esempio, gli uomini trafficati nel settore edile sono spesso tenuti in "dormitori" a ore di distanza dal cantiere".

Russia, Cina e Sudan sono sempre elencati tra i Paesi con i più alti tassi di tratta. Inoltre, secondo il Rapporto sul traffico di persone del Dipartimento di Stato degli Stati Uniti, i paesi con governi instabili presentano un rischio più elevato di tratta di esseri umani. Secondo Enrile, il traffico sessuale è dilagante nel sud-est asiatico, specialmente nelle Filippine, in Thailandia e in Cambogia, mentre il traffico di bambini si verifica più frequentemente in India e Pakistan e il traffico di manodopera è più alto in Medio Oriente e Sud America.

3. In che modo i trafficanti attirano le loro vittime?

I trafficanti attirano le vittime in vari modi. Questo potrebbe includere "ciò che stereotipicamente pensiamo in termini di rapimento e coercizione", ha detto Enrile. “Tuttavia, la vittimizzazione può verificarsi anche attraverso la frode”, come i casi in cui i lavoratori credono di entrare in un nuovo contratto di lavoro ma invece si vedono confiscare la documentazione legale e diventano schiavi. Situazioni simili si verificano spesso nei casi riguardanti le "spose per corrispondenza", donne che credono di sposare uno straniero e finiscono per essere vendute nei circuiti del traffico.

Un fenomeno chiamato colloquialmente "romeo pimping" può essere utilizzato per la tratta di donne e bambini a scopo di sfruttamento sessuale. La prostituzione di Romeo, secondo Enrile, è una situazione in cui un uomo inganna una vittima facendogli credere di essere in una relazione o innamorata, solo per renderla schiava.

4. Come può essere identificato il traffico di esseri umani?

"Sfortunatamente, questa è una domanda carica perché ci sono così tanti segni diversi che possono indicare che una persona è vittima di tratta", ha detto Enrile. Secondo il Dipartimento di Stato degli Stati Uniti, sebbene chiunque possa essere vittima di tratta e non mostrare segnali di avvertimento, potrebbero esistere alcuni indicatori comuni.

Le bandiere rosse possono includere vivere con un datore di lavoro, vivere in uno spazio angusto con più altre persone, non essere in grado di parlare con un'altra persona in privato, mostrare segni di abuso fisico, comportarsi in modo sottomesso o pauroso, ricevere una paga estremamente bassa o nulla per il lavoro, parlare in un modo che sembra sceneggiato e provato, e prostituirsi quando è minorenne.

5. Quali sono gli effetti della tratta di esseri umani sulle vittime?

Le persone trafficate tendono a essere sfruttate fisicamente, spesso senza accesso a cibo, igiene o assistenza sanitaria adeguati, e possono essere frequentemente soggette a violenze per mano dei loro trafficanti, lasciandole a soffrire di una serie di complicazioni di salute. Questi problemi possono essere aggravati se la vittima viene trafficata a scopo sessuale, poiché diventa più vulnerabile a malattie sessualmente trasmissibili potenzialmente letali come l'HIV/AIDS.

Tuttavia, le conseguenze fisiche non sono gli unici effetti della tratta di esseri umani sulle vittime. “Le persone trafficate subiscono anche effetti psicologici e sociali negativi”, ha detto Enrile. “Problemi come traumi, ansia, disturbo da stress post-traumatico (PTSD), vergogna e depressione sono risultati comuni della tratta”.

In effetti, la depressione è estremamente comune nelle vittime della tratta. I bambini sono particolarmente a rischio di minacce al loro sviluppo psicologico ed emotivo. Un sondaggio condotto dal giornale JAMA Pediatrics sugli adolescenti di età compresa tra 10 e 17 anni che sono stati trafficati nel sud-est asiatico ha rilevato che il 12% dei bambini aveva tentato di farsi del male o di uccidersi solo nel mese precedente e il 56% soffriva di depressione.

Le vittime della tratta di esseri umani spesso sperimentano anche il rifiuto sociale e l'ostracismo. Secondo Human Trafficking Search, "Le persone trafficate sono spesso isolate dai loro circoli sociali, incapaci di impegnarsi socialmente o di chiedere aiuto". Le vittime internazionali possono essere particolarmente incapaci di chiedere aiuto a causa della mancanza di padronanza della lingua madre o di una conoscenza geografica e culturale limitata. Le vittime del traffico sessuale possono subire ulteriori stigmatizzazioni e risposte negative da parte di amici e familiari, che rappresentano un'ulteriore minaccia per la loro salute emotiva e psicologica.

6. Cosa si sta facendo per combattere la tratta di esseri umani?

"Il lavoro che promuove la trasparenza può essere l'arma più efficace che abbiamo oggi per combattere la tratta di esseri umani", ha affermato Enrile. “La trasparenza fa luce su ciò che sta realmente accadendo.”

Un disegno di legge bipartisan proposto a gennaio cerca di fare proprio questo, concentrandosi sui visitatori stranieri temporanei negli Stati Uniti. I visitatori che viaggiano con visti temporanei spesso vedono tassi più elevati di tratta di esseri umani. Il disegno di legge mira a "creare un sistema uniforme per segnalare pubblicamente i dati che il governo già raccoglie sui programmi di visti temporanei, consentendo un esame dello sfruttamento dei titolari di visti temporanei". Il disegno di legge è stato sostenuto da Polaris e da altri importanti gruppi di controllo dei diritti umani.

7. Cosa devo fare se sospetto traffico di esseri umani?

Negli Stati Uniti, chiunque sospetti la tratta di esseri umani è incoraggiato a contattare le autorità locali il prima possibile. Ecco alcune delle migliori risorse:


2. Buddha è un titolo, non un nome

La stessa parola Buddha deriva dalla parola sanscrita Buddhi, che significa intelligenza, mente superiore o saggezza perspicace. Buddha significa colui in cui il buddhi è pienamente risvegliato e che può discernere le verità. Quindi, Buddha è un titolo o uno stato piuttosto che il nome di una persona. Chiunque può raggiungere la Buddità e diventare un Budda attraverso il discernimento, purificando la propria mente e il proprio corpo. Il Buddha originale che ha fondato il buddismo viene solitamente chiamato "il Buddha", per distinguerlo dagli altri. Il Buddha aveva altri titoli come Aryaputra (figlio di un Arya o di una persona nobile), Sakyamuni (l'eremita dei Sakya), ecc. Secondo gli insegnamenti buddisti originali, una persona raggiunge la Buddità dopo innumerevoli nascite, avendo superato la contaminazioni della mente e del corpo attraverso la purificazione. Alcuni buddisti credono che ci siano stati diversi Buddha prima di lui, e ce ne saranno molti altri dopo di lui.


Culture asiatiche intercambiabili

I non asiatici confondono che tutti i popoli asiatici sono di una particolare etnia. È più comunemente applicato ai paesi dell'Asia orientale come Cina e Giappone, ma può crearsi confusione anche tra i paesi dell'Asia meridionale, come confondere l'India con il Medio Oriente.

L'Asia è un luogo vasto e culturalmente diversificato, ma le culture dell'Asia orientale spesso vengono raggruppate in un unico miscuglio generale. Le persone che generalmente non hanno familiarità con le complessità delle culture asiatiche spesso confonderanno il paese di origine di vari fenomeni, come karatè essendo un termine scorciatoia per qualsiasi arte marziale asiatica, quando il karate è specificamente di origine Ryukyuan. Nei luoghi in cui esiste il tropo asiatico e nerd, gli asiatici di una varietà di culture diverse saranno raggruppati nello stesso stereotipo.

È una controversia in corso sul fatto che le persone debbano essere in grado di identificare l'etnia delle persone asiatiche in base alle loro caratteristiche fisiche. Il pubblico a volte reagisce negativamente quando un attore asiatico interpreta un personaggio con un'origine etnica diversa, come un attore di origine giapponese che interpreta un coreano, perché pensa che ciò comporti l'implicazione che le etnie asiatiche non siano fisicamente distinguibili, o per lo meno che non importa. Tuttavia, altre persone (come Margaret Cho) insistono sul fatto che l'etnia non è sempre così ovvia a occhio nudo e che distinguere un thailandese da un tibetano può essere difficile quanto distinguere un danese da un tedesco. Come molte cose, la politica gioca un ruolo importante: scambiare un danese per un tedesco ti farebbe sembrare molto meno sporco che se scambiassi un giapponese per un coreano, dal momento che i paesi asiatici tendono ad avere relazioni più fredde con i loro vicini rispetto a quelli europei. Detto questo, c'è un po' di verità in televisione in questo tropo che risale al IV secolo a.C. quando i migranti portarono la loro cultura dalla Cina continentale e dalla Corea in Giappone oltre ai successivi contatti e legami commerciali tra le tre nazioni.

Controlla la pagina Analisi per ulteriori informazioni di base sulle somiglianze/differenze culturali nel continente asiatico.

Relativo a Finché suona straniero e l'Africa è un paese. Un sub-tropo di nazionalità sbagliata. Patrigno in Estremo Oriente. Confronta Racial Face Blindness, ovvero quando un personaggio nell'universo non riesce a distinguere gli individui di una razza diversa l'uno dall'altro. Confronta anche All Muslims Are Arab, che omogeneizza una specifica comunità religiosa che internamente ha poco a che fare l'una con l'altra. Vedi anche Dragons Up the Yin Yang, che è una scorciatoia iconografica per questo tropo. Latino Is Brown è un tropo correlato, in cui si pensa che le persone dell'America Latina siano un'unica razza di persone marroni e brune nonostante la loro ampia diversità.


Recensione di cucciolo sciocco
Collaboratore PSIKE, JR/F/Canterbury e squadre eclettiche

Ma aspetta? C'è più! Se ciò non bastasse, il CAN ha anche trovato un'uscita postuma del suo primo inizio con Malcom Mooney al timone del cantante sotto forma di spettacolari prime offerte del 1981 sotto forma di "Delay 1968", tuttavia era davvero giusto supporre che il CAN avesse ancora più gemme nascoste nascoste nel barattolo dei biscotti che aspettano solo di dare ai fan un dolce regalo di cui non sembrano averne mai abbastanza? Bene, suppongo di no, ma ecco che questa prolifica band era implacabile in studio dopo aver creato un Frankenstein musicale dopo l'altro con alcuni da includere per colonne sonore di film che non sono mai state create mentre altre erano solo attacchi spontanei di stranezze che svanivano velocemente poiché furono falsificati e dimenticati per sempre fino a quando l'insistente moglie di Irmin Schmidt, Hildegard, convinse la band a rivisitare una scorta di nastri mal marcati nei caveau.

Con sorpresa della band, ci sono state ben 50 ore di materiale indugiato in quei recessi oscuri per oltre tre decenni come il buon vino che acquista sempre più carattere ogni anno che passa nella speranza di offrire quel perfetto bouquet odoroso. Con disappunto di Schmidt, fu fortemente costretto a cercare i diamanti grezzi prima che il tempo li avesse resi permanentemente polvere al vento. E così ha fatto con il fidato genero Jono Podmore al suo fianco rivivendo quei momenti magici che erano fugaci ma riportati in vita con amorevole cura e finalmente pubblicati in un cofanetto di 3 CD intitolato THE LOST TAPES nel 2012. Chi ha detto che la fine del calendario Maya è stata una brutta cosa? Parte della storia include lo studio CAN Wallerswist che è stato venduto al Museo Rock N Pop tedesco dove ogni artefatto è stato amorevolmente rappresentato e trasferito nella città di Gronau. Nessuno sapeva che c'erano tesori in agguato nell'archivio Spoon Records e così iniziò l'arduo compito di selezione.

THE LOST TAPES è un vero e proprio tributo al lato giocoso più sperimentale dei CAN che attraversa l'intera carriera della band dal 1968 al 1977 e include sia i cantanti Malcom Mooney che Damo Suzuki insieme ai molti membri della band stessi. Le tracce possono essere grossolanamente suddivise in alcune categorie generali. In primo luogo ci sono quelli come l'apertura "Millionspiel" e la maggior parte del Disco 1 che comprende i tradizionali suoni CAN previsti che includono i familiari groove di basso avant-funk insieme a sentori di rock and roll anni '60, Krautrock anni '70 e le stravaganze elettroniche deliziosamente selvagge che ha portato tutto nel cosmo e ritorno. In secondo luogo ci sono bocconcini di pura felicità di evasione in paesaggi sonori elettronici come "When Darkness Comes". Queste tracce sono molto al di fuori dei parametri di ciò che i CAN hanno pubblicato nei suoi album e suonano più come la tetra elettronica industriale che sarebbe decollata negli anni '80 con band come Einst rzende Neubauten. In terzo luogo, un eccellente repertorio di esibizioni live inedite che mostravano i CAN al loro apice ed erano tutt'altro che una band solo in studio.

Con un tempo di riproduzione di circa 196 minuti, THE LOST TAPES è un'enorme e tentacolare raccolta di musica che si rivela impossibile da assorbire con un singolo ascolto, ma che vorrebbe davvero. I brani spaziano da brevi brani strumentali come "Oscura Primavera", la mente elettronica[%*!#]ery "The Loop" agli sfoghi proto-punk sotto forma di "Midnight Sky" in stile Hendrix. Altri come "Graublau", "Dead Pigeon Suite" e "Abra Cada Braxas" mostrano le lunghe tendenze di jamming della band intrecciate con atmosfere lisergiche e affiatato peso rock di chitarra / basso / batteria. Le tracce sono visualizzate approssimativamente in ordine cronologico dal primo materiale degli anni '60 alla fine degli anni '70, ma varie tracce dal vivo sono disperse a intermittenza apparentemente in modo casuale per rompere le cose.

Questo dovrebbe essere davvero considerato uno per i veri fan, tranne per il fatto che il materiale presentato su THE LOST TAPES è di pari calibro a qualsiasi cosa CAN abbia scatenato nei suoi album principali con la possibile eccezione dell'eccezionale unicità di "Tago Mago. " Anche se sembra che 3 dischi di materiale CAN inedito possano portare a un'esperienza di ascolto piuttosto tranquilla, è piuttosto sorprendente che questo set di 30 tracce sia di qualità estremamente elevata senza che nulla si distingua come scadente. Dopotutto c'erano almeno 50 ore di musica tra cui scegliere, quindi il fatto che questa raccolta fosse stata ridotta a sole 3 ore in più ha assicurato che solo la crema del raccolto fosse resuscitata dalla sua catacomba dove è rimasta dormiente per così tanto tempo . Sebbene raramente mi entusiasmi per i triple discker di materiale d'archivio dimenticato, THE LOST TAPES è sicuramente l'eccezione in quanto questa raccolta non solo regge il materiale classico dei CAN, ma mostra anche la natura più esplorativa della band che era troppo selvaggia anche per il già estremo natura esplorativa del periodo di massimo splendore della prima serata della band. Un tesoro eccellente trovare questo era sicuro!

Recensione di UMUR
Collaboratore Speciale H'collaboratore normativo

Mentre Can ha sicuramente sperimentato nuovi elementi musicali su "Movimento di flusso (1976)", in particolare i ritmi reggae, ma anche lo strano cenno alla musica country, l'inclusione dei due nuovi membri si traduce in un'atmosfera ancora più ampia di world music su "Ho visto la gioia". "Ho visto la gioia" è un album altamente ritmato con la batteria e le percussioni che guidano la musica in avanti. La natura ripetitiva, psichedelica e rilassata della musica di Can è intatta, quindi le voci sono ancora sparse (i testi sono in genere molto pochi e ripetuti) e l'attenzione è prevalentemente sulla parte strumentale della musica.

A parte le sporadiche parti vocali, le tracce suonano per lo più come se fossero jam strutturate, o almeno create mentre si improvvisano sui ritmi organici di guida. Ci sono degli hook qua e là, ma per il resto la maggior parte della musica suona come sei ragazzi che giocano con vari timbri, suoni ed effetti. La musica è sicuramente sperimentale, ma non necessariamente inaccessibile e difficile da ascoltare. Il problema principale qui è che le tracce non sono davvero così memorabili e che molti degli esperimenti sonori non sono così interessanti, il che fa passare la maggior parte dell'album senza molto a cui aggrapparsi. Quindi per le mie orecchie l'attrazione principale qui è il gioco ritmico ipnotico, e quella parte della musica è davvero sia avventurosa che potente.

"Ho visto la gioia" presenta un lavoro di produzione ben suonante e ben organico, e alla fine è una pubblicazione di qualità decente di Can . Rispetto ad alcune delle loro precedenti uscite, però, un po' impallidisce, ed è difficile non pensare che la qualità e le idee musicali psichedeliche del passato siano ora dietro la band, e che suonino un po' come una versione pallida di se stessi . Una valutazione di 3 stelle (60%) è garantita.

Recensione di cucciolo sciocco
Collaboratore PSIKE, JR/F/Canterbury e squadre eclettiche

Sebbene una leggenda sia nata nel 1968 quando questa band si è formata ufficialmente, il mondo non era esattamente pronto per l'approccio stilistico lungimirante di questi ragazzi, quindi una volta che la band ha acquisito il cantante americano Malcolm Mooney e ha iniziato a registrare abbastanza materiale per un album di debutto, la band aveva in programma di pubblicarlo con il titolo dell'album "Prepared To Meet Thy Pnoom" che si riferiva a una traccia nervosa di 26 secondi che doveva apparire al secondo posto nell'album. Con tutto il materiale finito e pronto per essere spedito sul mercato, CAN affrontò il dilemma che nessuna casa discografica era interessata a pubblicarlo e sebbene la band sarebbe stata uno dei più grandi successi del Krautrock in Germania solo pochi anni nel futuro, nel 1968 il la band è stata completamente respinta e ha dovuto scartare l'idea di pubblicare l'album "Pnoom" e ha iniziato da zero che alla fine avrebbe portato all'album di debutto ufficiale del 1969 "Monster Movie".

Dopo essere rimasta sugli scaffali per oltre un decennio dopo che i CAN avevano navigato negli anni '70 come la più grande esportazione psichedelica della Germania, la band ha rivisitato l'idea di pubblicare "Pnoom" e finalmente nel 1981 il materiale che avrebbe dovuto apparire in quel fantomatico album di debutto finalmente vide la luce del giorno solo con il titolo DELAY 1968. Il materiale presentato su DELAY include le prime registrazioni conosciute dei CAN e alcune performance extra tanto necessarie dal primo cantante dei CAN, Malcom Mooney, che prima era rimasto solo per gli album "Monster Movie" e "Soundtracks" lasciando la band per instabilità mentale. L'album in realtà ha fatto il giro come bootleg per anni con il titolo "Unopened" ma nel 1981 questa uscita ufficiale sull'etichetta Spoon Records ha finalmente reso obsolete tutte quelle schifose registrazioni di second'ordine ed è stata giustamente rimasterizzata e ricevette il trattamento regale. Gli sforzi ne sono valsi la pena.

Pur non raggiungendo i viaggi più lontani là fuori come ascoltato in album come "Tago Mago", CAN ha stabilito il suo suono unico fin dall'inizio con quel distinto mix di garage rock psichedelico, funk, rumore e groove ipnotico. DELAY è un album orientato alla voce e presenta squisite performance vocali di Malcolm Mooney che a volte suonava come una versione meno stabile di Jimi Hendrix ma ha aggiunto un tocco unico alla band che li ha distinti dalla concorrenza fin dall'inizio. DELAY presenta i riconoscibili groove di basso ipnotici di Holger Czukey che hanno funzionato perfettamente con la creatività della batteria di Liebezeit. Michael Karoli ha anche aggiunto alcune delle prime buffonate di chitarra psichedelica della band con Irwin Schmidt che fornisce i tocchi atmosferici perfetti e spaziati, tuttavia questa musica è più basata su una sorta di garage funk rock che su quello che sarebbe considerato Krautrock nel prossimo futuro.

"Butterfly" inizia con una presa in giro della chitarra, un tratto che ha fatto guadagnare a CAN la distinzione come una delle influenze primarie per il suono punk degli anni '70, tuttavia i groove sono ripetitivi e ipnotici con un tocco di note d'organo che modificano l'effetto generale e le cose principali nella zona psichedelica. La traccia "Pnoom" a 26 secondi è sicuramente l'anomalia del gruppo e non è altro che una sessione di batteria jazz con un groove di basso e quello che suona come un fischio di corno ma non viene dato alcun credito su ciò che lo strumento è effettivamente. Il resto dell'album è una forma di avant-funk con alcuni che mi ricordano come suonerebbero i Red Hot Chili Peppers. La traccia finale "Little Star Of Bethlehem", ad esempio, suona esattamente come Anthony KIedis e i ragazzi suonerebbero nella traccia "Walkabout" dell'album "One Hot Minute" solo quasi 30 anni prima.

Per coloro che sono solo nelle sessioni di Krautrock più intense che i CAN hanno evocato, probabilmente non apprezzerai molto questo, ma per coloro che possono scavare nell'avant-funk con uno stile vocale irregolare che ha praticamente occupato un posto in ogni album CAN, allora questo uno non deluderà affatto. In effetti questo è davvero buono con un sapore unico tutto suo e DELAY suona in realtà come qualcosa dei primi anni '70 piuttosto che dei primi anni del 1968. Mentre il senno di poi è sempre 20/20 e sono sicuro che le case discografiche lo farebbero' se avessimo saltato tutto se fossero stati in grado di prevedere gli anni del Krautrock proprio dietro l'angolo, posso solo essere grato che CAN abbia pubblicato molte di queste gemme bloccate perché parte del materiale non solo su DELAY 1968 ma album come "The Lost Tapes" è una delle cose migliori che la band abbia mai fatto. Queste reliquie dimenticate sono un must per ogni vero fan dei CAN non solo per collegare i puntini alle origini della band, ma semplicemente perché queste sette tracce sono davvero, davvero belle!

Recensione di cucciolo sciocco
Collaboratore PSIKE, JR/F/Canterbury e squadre eclettiche

Il primo conteneva 13 tracce mentre la seconda ristampa ne conteneva 19.

I CAN si sono formati nel 1968 e hanno pubblicato cinque album con due distinti cantanti, l'americano Malcom Mooney e il noisemaker giapponese Damo Suzuki. Dopo l'uscita del quinto album della band "Future Days", Damo Suzuki ha lasciato la band per poter sposare la sua ragazza e diventare un testimone di Geova. Mentre la band continuava senza un nuovo cantante principale poiché si stava concentrando maggiormente sugli allenamenti strumentali, CAN ha deciso di liberare alcune delle tracce più sperimentali dal caveau prima di passare alla fase successiva. Nel maggio del 1974, emerse la compilation di brani inediti LIMITED EDITION con un'edizione limitata di 15.000 copie che conteneva brani stravaganti che andavano dall'inizio della band nel 1968 alle sessioni di "Future Days" nel 1973. Conteneva 13 brani casuali con entrambi i cantanti principali così come una vasta gamma di stili e suoni non ascoltati negli album ufficiali.

Queste tracce sono state selezionate da migliaia di ore di registrazione e mostrano l'ampia gamma di stili e suoni che CAN ha coperto al di fuori del contesto della corsa dei cinque album. Mentre l'originale LIMITED EDITION fu pubblicata poco prima del successivo album della band "Soon After Babaluma" pubblicato nel successivo novembre 1974, dopo che la band firmò con la Virgin Records nel 1976, l'album fu pubblicato una seconda volta come UNLIMITED EDITION poco dopo l'uscita dell'album "Flow Motion". La nuova edizione ha ospitato altri sei brani aggiuntivi tra cui uno dei più eclettici e bizzarri colossi del collage di CAN nella forma dei quasi 19 minuti "Cutaway". A parte la stampa originale intitolata LIMITED EDITION che indossava la copertina piuttosto poco lusinghiera di diversi topi in una piccola casa (cosa rappresenta forse non lo sapremo mai), l'album è stato pubblicato come UNLIMITED EDITION da allora e dato che tutte le tracce del gli originali sono nelle edizioni più recenti, non c'è davvero bisogno di rintracciare la versione topo a meno che tu non sia il collezionista più rabbioso.

Sebbene sia spesso saltato nella discografia di CAN a causa del suo status di raccolta di cosiddetti brani usa e getta, (UN)LIMITED EDITION contiene in realtà alcuni dei tagli più selvaggi e sperimentali di CAN presi dalla sua massiccia serie di registrazioni e offre un'anteprima nel la strategia della band per creare la sua miscela unica di Krautrock che si distingueva praticamente da ogni altra band tedesca della stessa epoca. Mentre alcuni brani come l'apertura "Gomorrha" possono evocare una familiarità come si sente in alcuni dei brani più strani dell'album come "Tago Mago" che sono interamente strumentali e ospitano un mix unico di inebrianti allenamenti di tastiera e chitarra intrecciati con un basso carico di funk groove e una fitta sezione percussiva, altre tracce mettono a nudo l'accumulo di effetti ed espongono la vera natura dell'arma segreta dei CAN, vale a dire una tavolozza diversificata di suoni etnici mondiali che sono stati distorti e costretti a eseguire trucchi mentali psichedelici e hanno creato effetti ripetitivi di loop e oscillazioni turbinii di suono. Di questi, il "E.F.S." serie di brani che si riferivano alla "Ethnological Forgery Series" presentavano molti suoni di world music che assomigliavano di più ai generi folk africani, asiatici e mediorientali da cui erano stati presi in prestito. Questi sono stati alcuni dei primi esperimenti della band.

L'album ospita molte caratteristiche uniche che non si adatterebbero mai a un dato album. Ad esempio su "Doko E" Damo Suzuki ha cantato nella sua nativa giapponese e "Mother Upduff" ha caratterizzato la narrazione estemporanea di Malcolm Mooney nella voce parlata insieme a un insolito accompagnamento musicale jazz. Ci sono anche altri esempi di strumenti come il violino e lo shehni, uno strumento ad ancia indiano che conferisce a molte tracce un sapore completamente diverso rispetto alla maggior parte di ciò che i CAN offrivano, tuttavia nonostante i sapori di improvvisazione selvaggiamente sperimentali che sembravano un po' casuali in forma libera, Jaki Liebezeit sostiene ancora fermo controllo della spinta ritmica con il suo distinto stile percussivo che non si discosta mai troppo dal suo status quo, tuttavia su alcune tracce ha più di una licenza per incubare alcuni rulli di batteria esoticamente tecnici che sono autorizzati a vagare senza guinzaglio. Un altro strumento insolito è lo schizofono in "The Empress And The Ukraine King" che suona come uno xilofono se è lo strumento esotico che penso sia.

Molte tracce come la suddetta offrono anche un suono molto più orientato al rock progressivo con allenamenti strumentali più spigolosi che sviluppano contrappunti melodici più intricati. Gli strumenti si suonano anche l'uno con l'altro in diverse chiavi e accordature che offrono distinti periodi di dissonanza e complesse interazioni armoniche. Mentre gli album dei CAN possono sembrare uniformi nell'approccio stilistico, salva la natura bizzarra di "Tago Mago", su (UN)LIMITED EDITION, ogni traccia è completamente unica e questa è la bellezza di questa borsa di idee disparate che ha mostrato la band su alti livelli creativi che per qualsiasi motivo fossero ritenuti alienanti per apparire fianco a fianco con le tracce più illustri che sono arrivate negli album. Alcuni dei brani, in particolare "E.F.S." la serie suona come una band completamente diversa, mentre alcuni dei primi brani come "Connection" mostrano una band in gestazione ancora collegata alla scena psichedelica degli anni '60 ma non aveva ancora trovato una sua strada distinta.

Il pezzo forte dell'album è una delle tracce extra di UNLIMITED EDITION. La lunga e potente "Cutaway" è stata registrata nel lontano marzo 1969 durante le sessioni di "Monster Movie" ed è di gran lunga una delle tracce più interessanti dei CAN. A differenza di molte mostruosità colosso che virano verso i 20 minuti (questo è poco più di 18), questo brano è in realtà diversi brani più brevi cuciti insieme in modi apparentemente casuali ed è in effetti un collage di vari esperimenti che si adattano abbastanza bene con il crescita creativa selvaggia e folle che stava esplodendo nel 1969. Nel complesso le tracce su (UN)LIMITED EDITION sono eccellenti con solo pochissime tracce usa e getta ("Blue Bag" è piuttosto inutile per esempio). Questo album non è affatto solo una raccolta di tracce scadenti, ma piuttosto tracce che erano semplicemente troppo al di fuori del contesto di ciò che l'album stava cercando poiché queste tracce indipendenti sono davvero bizzarre per la maggior parte. Questo è altamente raccomandato per coloro che amano gli aspetti più sperimentali di CAN. Sebbene non sia un album in studio "ufficiale" di per sé, questo è pieno zeppo di divertenti curiosità musicali e l'ampia gamma di stili rende questo album CAN dei THEEEE più diversificato che abbia visto la luce del giorno.

È molto probabile che incontrerai la versione UNLIMITED EDITION poiché ogni ristampa è apparsa in quel formato.

It's also more fruitful in that it offers six extra tracks that are well worth it so unless you are a collector of all things CAN, the remastered version of this CD is the way to go.

Review by siLLy puPPy
Collaboratore PSIKE, JR/F/Canterbury & Eclectic Teams

The former featured 13 tracks whereas the second reissue featured 19.

CAN was formed in 1968 and released five albums with two distinct vocalists, US born Malcom Mooney and the Japanese noisemaker Damo Suzuki. After the release of the band's fifth album 'Future Days,' Damo Suzuki left the band so he could both marry his girlfriend and to become a Jehovah's Witness. While the band carried on without a new lead singer as it was becoming more focused on the instrumental workouts, CAN decided to unleash some of the more experimental tracks from the vault before taking things to the next phase. In May of 1974, the compilation of unreleased tracks LIMITED EDITION emerged with a limited release of 15,000 copies that featured oddball tracks ranging from the band's inception in 1968 to the 'Future Days' sessions in 1973. It featured 13 random tracks with both lead singers as well as a wide range of styles and sounds not heard on the official albums.

These tracks were culled from thousands of hours of recording time and showcases the wide range of styles and sounds that CAN covered outside the context of the five album run. While the original LIMITED EDITION was released just prior to the band's next album 'Soon After Babaluma' released in the following November 1974, after the band signed to Virgin Records in 1976, the album was released a second time as UNLIMITED EDITION shortly after the release of the 'Flow Motion' album. The new edition hosted an additional six additional tracks including one of CAN's most eclectic and freaky collage giants in the form of the near 19 minute 'Cutaway.' Other than the original pressing titled LIMITED EDITION which donned the rather unflattering cover art of several mice in a tiny house (what it represents we may never know), the album has been released as UNLIMITED EDITION ever since and given that all the tracks of the original are on the newer editions, there is really no need to track down the mousy version unless you are the most rabid collector.

While often skipped over in CAN's discography due to its status as a collection of so-called throwaway tracks, (UN)LIMITED EDITION actually contains some of CAN's wildest and most experimental cuts taken from its massive run of recordings and offers a sneak peak into the band's strategy for crafting its unique blend of Krautrock that stood apart from virtually every other German band of the same era. While some tracks like the opening 'Gomorrha' may evoke a familiarity as heard on some of the weirder tracks on album's such as 'Tago Mago' which are entirely instrumental and host a unique mix of heady keyboard and guitar workouts laced with a funk laden bass groove and busy percussive section, other tracks strip bare the piling up of effects and expose the true nature of CAN's secret weapon, namely a diverse palette of world ethnic sounds that were twisted and coerced into performing psychedelic mind tricks and created repetitive looping effects and oscillating swirls of sound. Of these, the 'E.F.S.' series of tracks which referred to the 'Ethnological Forgery Series' featured many world music sounds that more resembled the African, Asian and Middle Eastern folk genera that they were borrowed from. These were some of the band's earliest experiments.

The album hosts many unique features that would never fit on any given album. For example on 'Doko E' Damo Suzuki sang in his native Japanese and 'Mother Upduff' featured Malcolm Mooney's impromptu storytelling in spoken word vocals along with an uncharacteristic jazzy musical accompaniment. There are also other examples of instruments such as the violin and shehni, an Indian reed instrument that give many tracks a completely different flavor than most of what CAN offered however despite the wildly experimental improvisational flavors that seemed somewhat random in freeform, Jaki Liebezeit still maintains firm control of the rhythmic drive with his distinct percussive style that never deviates too far from his status quo however on some tracks he has more of a license to incubate some exotically technical drum rolls that are allowed to wander off the leash. Another unusual instrument featured is the schizophone on 'The Empress And The Ukraine King' which sounds like a xylophone if it's the exotic instrument that i think it is.

Many tracks such as the aforementioned also deliver a much more progressive rock oriented sound with more angular instrumental workouts that develop more intricate melodic counterpoints. The instruments also play off of each other in different keys and tunings which offers distinct bouts of dissonance and complex harmonic interplay. While CAN's albums can sound uniform in stylistic approach save the bizarre nature of 'Tago Mago,' on (UN)LIMITED EDITION, each track is completely unique and that's the beauty of this grab bag of disparate ideas that displayed the band on creative highs that for whatever reason were deemed to alienating to appear side by side with the more distinguished tracks that made it onto albums. Some of the tracks, especially the 'E.F.S.' series sound like a completely different band while some of the early tracks like 'Connection' show a gestating band still connected to the 60s psychedelic scene but hadn't quite found its own distinct way.

The highlight of the album is one of the extra tracks on UNLIMITED EDITION. The lengthy powerhouse 'Cutaway' was recorded all the way back in March 1969 during the 'Monster Movie' sessions and is by far one of CAN's most interesting tracks. Unlike many behemoth monstrosities that veer toward the 20 minute mark (this one is just over 18), this track is in reality several shorter tracks stitched together in seemingly random ways and is in effect a collage of various experiments that fit in quite well with the wild and crazy creative uptick that was exploding in 1969. Overall the tracks on (UN)LIMITED EDITION are excellent with only a very few throwaway tracks ('Blue Bag' is rather pointless for example). This album is not just a collection of substandard tracks at all but rather tracks that were just too far outside the context of what the album's were going for as these standalone tracks are really bizarre for the most part. This is highly recommended for those who cherish the most experimental aspects of CAN. While not an 'official' studio album per se, this one is chock full of entertaining musical tidbits and the wide range of styles makes this THEEEE most diverse CAN album that has seen the light of day.

Even without the extra tracks, LIMITED EDITION is a four star powerhouse of excellence

Review by siLLy puPPy
Collaboratore PSIKE, JR/F/Canterbury & Eclectic Teams

On the band's fifth album FUTURE DAYS, the band continued in the trajectory of "Ege Bamyasi" and focused even more on the ambient elements fluttering around the exotic busy percussive grooves that allow the instruments dance around while each musician creates a completely different counterpoint to the rhythmic oscillations. The change in musical direction meant a lessening role for vocalist Damo Suzuki and as a result he would depart the band after FUTURE DAYS which would continue on as a quartet with various members picking up the occasional vocal duties that found less and less of a spotlight. Unlike "Ege Bamyasi" that focused on aspects of rock music, FUTURE DAYS is a calmer effort that creates four tracks that evoke more atmospheric constructs even though the percussion remains as energetic as ever. The keyboards for example embody a floaty feel while the guitars create a form of space rock that eschews traditional 70s rock bombast.

Originally FUTURE DAYS consisted of three tracks on side one of the vinyl LP the title track, "Spray" and "Moonshake" with the second dedicated to the side long magnanimity of "Bel Air" which just shy of the 20 minute mark resulted in one of CAN's most memorable and well-crafted tunes of its entire career. The title track begins the album with an immediate airier sound than the band's previous albums. Starting out with a fascination for water sounds and a tumult of ambient sounds that engage in an eerie procession before the expected motorik drumming leads the way accompanied by an oscillating "shaker" sound and a series of cyclical loops that have proved to be inspirational for all types of musical genres of the modern age including post-rock, industrial and various other experimental musical forms. While clearly rooted in the Krautrock scene, CAN stood out even amongst its peers in that its deconstructive approach was much more radical than any other act of the entire era.

"Spray" perhaps displays Czukay's importance as a bassist more than most tracks as his uncanny fretwork finds the bass implementing as important roles in the musical flow as the percussive drive. Also notable are Schmidt's amazing organ runs on this one with the guitar taking a lesser role. Perhaps the busiest sounding track on the album, the incessant percussive drive and organ heft are supplemented by the space funk bass and guitar counterpart that offers only occasional heft that can be heard distinctly from the dominance of the drumming. Suzuki is demoted to merely throwing out a few vocal utterances every now and again which sound rather patronizing as the musical flow is not dependent on him at all. The ultimate case of creating a need where none is needed. No wonder he would leave as the band developed such a full sound that the vocals were actually becoming a distraction. "Moonshake" takes on the strongest motorik percussive drive of all and reminds me of "Neu!" on its 1972 debut. This is also the only track that really allows Suzuki to stand in the limelight but even on this one there are vocal-free moments that allow the bizarre antics of the guitar and keys to dominate.

The strongest track by far is the side long "Bel Air" which displays the band in full effect. Whereas the shorter tracks showcased various trends in the band's developing fascination with ambience, this closer is the one that allows the subtle differences to organically unfold and also finds each musician slowly ratcheting up the tension since there is no time limitations. It also successfully implements Suzuki's vocal style to fit in with the developing motifs and doesn't sound like his contributions are wasted. In other words, this is the most convincing band effort on this one and the last gasp of Suzuki's involvement in the band before its consistent flow of strong albums would end before the hit and miss era that followed FUTURE DAYS. "Bel Air" is divided into sections although it's connected by a thematic flow of rhythm and melodic drive however after every few minutes, the song changes up a bit and engages in a new procession of variations. All the parts are equally enthralling and are stitched together quite beautifully.

While i prefer the much more experimental "Tago Mago" to the more sedate following albums, there's no doubt that FUTURE DAYS is one of the strongest album's in the CAN discography and is a close second for its consistency and ambient charm which is more focused than its predecessor and shows CAN at a creative peak before the inconsistency of the FUTURE DAYS would be the norm. In short, FUTURE DAYS is utterly infectious with tight interlocking grooves that display one of the most unique mixes of funk, rock, psychedelia and ambient. No musician steals the limelight here and CAN exhibits the qualities of a true democratic sound performance where every member's contributions are a vital aspect of creating a greater sum of the parts. True that Suzuki's vocals have been tamped down for the majority of the album but all is redeemed on the ending "Bel Air" where his presence is fully integrated into the CAN paradigm. Only slightly weaker than "Tago Mago" in my book but overall the second great masterpiece of CAN.

Review by siLLy puPPy
Collaboratore PSIKE, JR/F/Canterbury & Eclectic Teams

While the band's studio was state of the art and ready for recording, the band was going through a creative slump and it took considerable effort to record enough material to release a followup album. The lack of material also mean that the supposed non-album single 'Spoon' was attached to the end of the album. Musically CAN followed in the footsteps of 'Tago Mago' minus the most tripped out parts as heard on 'Aumgn' and 'Peking O' but instead excelled in crafting the unique hybrids that deconstructed rock and roll and infiltrated the rock energy with various styles of ethnic music. Bassist Holgar Czukay was always fascinated by Vietnamese music and the rest of the band members were equally enthralled with Middle Eastern percussion as well as music from Morocco and Bali. The results were a unique sound that continued in the making of EGE BAMYASI.

Like much of 'Tago Mago,' EGE BAMYASI's focus is on the varied percussive styles of drummer Jaki Liebezeit whose techniques corrupted the jazz world and teased them into hypnotic groove driven loops that allowed the guitar, bass and keyboards to free float around. Once again vocalist Damo Suzuki delivers a deranged lead performance with mostly unintelligible lyrics that add to the mystique as well as insinuate exorcisms on tape. The final moments of 'Soup' for example exemplify his most erratic behavior where he screams and delivers vocal anguish in the first degree. For the most part EGE BAMYASI is a more even keel release than its predecessors with a constant percussive drive leading the way and other instruments and vocals going along for the ride. The rhythms are beefier as are the diverse percussive grooves. The bass remains in a psychedelic funk mode and the guitar and keys are implemented to provide musical textures rather than develop intricate melodies.

The band also performed free concerts in order to raise awareness of its music which was met with critical acclaim and delivered the promised results. The album while not as experimental and daring as 'Tago Mago' nonetheless delivers a ceaseless supply of hypnotic Krautrock that provided danceable funk grooves that also offered the perfect psychedelic respite from the status quo of blues based rock of the era. 'Vitamin C' is an interesting track as Suzuki has moments where he screams 'Hey You' that sounds a lot like what Pink Floyd would shout out on future albums like 'The Wall.' It seems that CAN has been one of the most influential Kraut bands in all of Germany. The indie rock band Spoon took its name from the CAN single and countless artists such as Public Image Limited, Sonic Youth and even Portishead learned a thing or two from EGE BAMYASI. The album has also been a rich source of sampling.

Initially i was disappointed by EGE BAMYASI as it wasn't as freaky as 'Tago Mago' but after several listens over the years my appreciation has grown although i prefer the albums that sandwich this release. While not the most innovative CAN release, it certainly is consistent in its delivery and offers its most psychedelic deviancy in the form of the multi-part 'Soup' which offers a break from the groovy beats at key moments. The single 'Spoon' actually works quite well as the most accessible track on the end as it allows a nice comedown from the frenetic percussive rich tracks that precede it. Overall, EGE BAMYASI is a solid CAN release that may take a few spins to sink in but once it finds its foothold, it's actually quite infectious.

Review by patrickq
Prog Reviewer

I'm glad that I finally listened to Tago Mago, if for no other reason than to hear "Oh Yeah" in context. The track begins with what sounds like a single thunderclap, followed by rain. But as the song follows "Mushroom" - - whose lyrics appear to refer to the atomic bombs dropped in 1945 on singer Damo Suzuki's homeland of Japan - - the rumble takes on a darker meaning. And, although they were on opposite sides of the original vinyl record, "Halleluhwah" makes perfect sense after "Oh Yeah" as a bridge between the more songlike songs on Side One and the more experimental structures of the third and fourth sides. Strangely, or maybe not so strangely, "Halleluhwah" name-checks its predecessors: "she asked me Thursday for her name / so she was to go where I was singing 'Mushroom Head,' 'Oh Yeah,' 'Paperhouse" / I wonder what I should do."

Indeed, those are the most accessible songs on Tago Mago, and along with "Halleluhwah," they contain the only accessible passages on the album until the final song, "Bring Me Coffee or Tea." That's not to say Tago Mago is mainstream, though. As a pastiche of Electronic Meditation, American funk, and Stockhausen, it's not exactly radio fare. In a classic illustration of the necessity to far exceed existing norms in order to discover how much is too much, the two remaining songs, "Aumgn" and "Peking O," constitute nearly thirty minutes of avant-garde sound, most of it nonmusical.

Tago Mago is also a textbook example of the overdone double album which would've made a good single album. But it's not padded throughout la Tales from Topographic Oceans Come Ummagumma, Tago Mago has a very good first disc and a weak second one.

Any discussion of the strengths of the album, and the first disc in particular, has to include Jaki Liebezeit's drumming, which has to be some of the best drumming on any Krautrock record of the period. Suzuki's vocals deserve mention as well. Although they're not great di per sé, they form a great musical and rhythmic component of the music on Disc One. They're well-arranged and are treated and mixed in a way that integrates them perfectly into the overall sound. I get the sense that much of the innovative production here is the work of bassist Holger Czukay, whose tape editing transforms such songs as "Oh Yeah" from rambling rock jams into serious pieces of music.

In all, a good album the first disc is on a par with the debuts of Tangerine Dream (Electronic Meditation, 1970) and Ash Ra Tempel (self-titled, released in 1971 after Tago Mago).


C. A Post-coup Economy: Natural Resource Rent Seeking and Illicit Economy

While the military is still struggling to consolidate its control over the country following the coup, at this point there is no indication that it has any intention of changing course. Instead, it seems bent on asserting its authority through brute force. Thus, the economic downturn is bound to get much worse as the banking system falls apart, protests and military violence cripple economic activity, foreign investors look for an exit and new investment stalls. Even in the short term, the formal economy is likely to shrink dramatically due to the financial crisis, the collapse in business confidence and state finances, and the flight of both capital and workers.

The regime will have few places to turn to attract foreign investment and bolster state finances. At first, it may have counted on Chinese support, but Beijing’s displeasure with the coup and its aftermath, and the attacks on its businesses, mean that neither the Chinese state nor many Chinese companies are likely to rush to invest. [fn] Crisis Group interviews, analysts and Chinese diplomats, January-February 2021.Hide Footnote The generals are thus likely to fall back on what was the mainstay of the national economy during the last period of military rule: natural resources, including timber, natural gas, minerals, and jade and other gems. [fn] See Crisis Group Asia Report N°231, Myanmar: The Politics of Economic Reform, 27 July 2012.Hide Footnote Given that the state owns most natural resources, these would offer the easiest and quickest source of revenue, as well as rent-seeking opportunities for military leaders. History suggests that the state would tap the country’s natural resources notwithstanding the cost to sustainable development, the environment and the welfare of the ethnic minorities in whose areas most of these resources are located. [fn] Ibid.Hide Footnote

Such an approach would also fit with the military’s longstanding strategy of using ceasefires to manage armed conflict, employed most effectively in its 1989-1995 truces with various ethnic armed groups. [fn] See Crisis Group Asia Report N°299, Fire and Ice: Conflict and Drugs in Myanmar’s Shan State, 8 January 2019 and “Myanmar’s Illicit Economies: A Preliminary Analysis, UN Office on Drugs and Crime, February 2020.Hide Footnote Instead of defeating these groups militarily or negotiating their demobilisation and disarmament, the military has for decades sought to co-opt them via ceasefire deals that allow them to continue holding arms and give them carte blanche to administer their areas as they see fit – including unregulated resource extraction and illicit activities such as narcotics production. [fn] Ibid.Hide Footnote Given that it will likely need to continue to deploy significant numbers of troops to central parts of the country for some time to contain dissent and secure key facilities, the military has a strong incentive to reach ceasefire deals with as many armed groups as possible. As noted, the military is already in discussions with the Arakan Army and other groups.

Natural resources are just one of the many facets of Myanmar’s illicit economy, which itself is estimated to be worth tens of billions of dollars per year. Apart from the illicit extraction and smuggling of jade, gems, precious metals, timber and minerals, it includes the production and trafficking of massive quantities of drugs (methamphetamine and heroin), unregulated casinos, money laundering, and human smuggling and trafficking, among other activities. [fn] “Myanmar’s Illicit Economies: A Preliminary Analysis, operazione. cit.Hide Footnote These illegal activities have proven to be highly resilient in the face of previous economic shocks – including COVID-19 – and have thrived regardless of the kind of government in power. [fn] Crisis Group interviews, drug policy experts, Yangon and Bangkok, 2020-2021. Crisis Group Report, Fire and Ice, operazione. cit.Hide Footnote The post-coup political economy may provide an even more conducive environment for such illicit activities, particularly in ethnic areas: even when not complicit, the regime will be distracted by the crisis in the country’s centre, armed groups and militias will have a stronger sense of impunity, and the formal economy’s collapse will drive more people into the informal and illicit sectors in order to survive.


7. Air Force Band Drum Major

I understand military tradition requires bands, but do we still have to make them dress like they should be guarding Queen Elizabeth? I wonder what possible purpose that giant hat served, even when it was a real part of a military uniform. Did the scepter ever serve a real purpose? And that sash looks makes him look less like an Air Force Chief and more like he’s the WWE Intercontinental Champion.


How the Olympics can embrace non-binary athletes for the future

It's hard to remember a time before the Olympics had very open, very gay athletes like we do now, but the first openly gay Olympian didn't appear until 1988 in Seoul.

Thirty years later, there's still residual public outcry. Even Vice President Mike Pence had a low-key Twitter meltdown about openly gay ice skater Adam Rippon. So it won't be long before athletes on other parts of the LGBTQ spectrum come to the Olympics to compete and cause similar waves of gratuitous handwringing.

Of particular concern are non-binary and genderqueer athletes, or people who don't identify as either male or female and otherwise fall outside the traditional gender binary. Sports are rigidly sex-segregated, and the Olympics are no exception. It's part of the reason why non-binary athletes and activists are pushing for change at more local levels (high schools, colleges), hoping their advocacy can find a way to trickle out, downward, and su.

Whether the Olympics will be prepared for them is a whole other story — and it's something advocates behind the scenes are working hard to change.

Lauren Lubin is a non-binary athlete, advocate, and founder of the "We Exist" campaign for non-binary inclusion in sports. Lubin —who uses they, them, and their pronouns — made headlines when they became the first non-binary athlete to compete in the New York City Marathon in 2016.

For Lubin, the first step in helping the Olympics to embrace non-binary athletes is simple recognition. Many people, the athlete contends, aren't aware this community exists at all. Genderqueer and non-binary athletes often don't make their presence known out of fear of rejection.

"Recognition is the most fundamental step — and our first major obstacle," Lubin says. "You can't have hopes, dreams, and aspirations if you're not recognized . And sports, systematically, is the most entrenched [institution] in gender norms."

Lubin is working to elevate the community by focusing on basic education. Their upcoming film, We Exist: Beyond the Binary, centers stories from non-binary, genderfluid, and genderqueer people. Once some kind of baseline recognition is achieved, Lubin hopes, it'll be easier for non-binary athletes to make waves in the Olympics and elsewhere — Più facile, not easy, being the operative word.

The obstacles facing gender and non-binary athletes differ from other athletes on the LGBTQ spectrum. An athlete's sexual orientation doesn't challenge the gender binary in sports — gay men and lesbian women can still compete in their separate, sex-segregated divisions. Trans athletes cause more moral panic than cisgender gay athletes, but trans women and trans men still fall into our culture's gender binary system, even as they challenge its violently cruel rigidity.

Chris Mosier understands this dilemma well. As a triathlete, Mosier became the first openly trans athlete to compete on a U.S. National Team when he joined Team USA's sprint duathlon men's team for the 2016 World Championship. Through his work at Transathlete, Mosier fights for trans* inclusion at all levels of sports, identifying key disparities along the way.

Chris Mosier speaks onstage during the Beyond Sport United conference at BRIC House in July 2017.

Image: dia dipasupil/Getty Images

"We are trying to get transgender athletes full inclusion in sports. Depending on the sport and league, policies [for trans athletes] are all over the place," Mosier says. "We haven't even begun to discuss the inclusion of non-binary and genderqueer athletes in sports. Most people are just not ready for it yet. Even leagues that are trans-inclusive struggle to understand where genderqueer athletes fit or . where they would play . There's a lack of understanding of what that means."

The struggle is real and painfully slow. Genderqueer and non-binary athletes on the ground, even on college levels, are nonetheless trying to fill that gap.

Twenty-two-year-old G Ryan is a genderqueer swimmer who competes for the University of Michigan. Though the Olympics are a long way off for Ryan (who uses they, them, and their pronouns), they have identified concrete, tangible steps every college can take to better serve non-binary and genderqueer athletes — guidelines that more prestigious leagues and competitions like the Olympics could stand to learn from.

"I have helped to install gender-inclusive restrooms . We have a gender-inclusive intramural recreation building," Ryan says. "It's really hard when you're non-binary and really challenging to manage dysphoria in gendered spaces."

Those experiencing gender dysphoria can feel discomfort, dissatisfaction, or conflict with the sex or gender label assigned to them at birth. Non-binary athletes like Ryan are particularly vulnerable to these kinds of challenges, especially when they're asked to navigate sex-segregated spaces.

"One of the great ways to combat that is language and establishing linguistic choices that are inclusive," Ryan says.

Though Ryan participates as part of a women's team, the group avoids the gendered label in practice, and instead informally refers to itself as "Team 43." It's the team's way of embracing all of its members' gender identities, even if it's just conversationally. Ryan views "Team 43" as an imperfect model, even as they identify multiple ways forward for non-binary and genderqueer inclusion in sports.

For sports leagues that want to continue to have men's and women's teams, Ryan argues, non-binary athletes should be able to choose which team they participate in. Teams should use more trans- and non-binary-inclusive language. Leagues should have more relaxed uniform requirements, which are challenging for anyone who doesn't fit conventional gender norms. Bathrooms and locker rooms should be gender-inclusive.

These are minor adjustments that Ryan believes could have a systemic impact on every level of sport, including both collegiate and Olympic.

Don't angrily tell me "this is the women's room",
Apologize "I thought you were a man. sorry"
then say to your friend while I can hear you "Oh my God, that was so embarrassing. How was I supposed to know? I thought it was a guy!"

It's also possible to have sports leagues that don't have segregated men's and women's leagues, Ryan explains.

"It's all about giving people the additional choice," they say.

There are plenty of reasons to be hopeful. In January 2016, the International Olympic Committee wrote new guidelines making it easier for trans athletes to participate in the Olympics. Trans men can now compete against other men without restriction. Trans women now no longer need gender re-assignment surgery to compete. (However, the IOC still requires trans women to undergo at least one year of hormone replacement therapy in order to participate.)

And trans athletes have their sights set on 2020. New Zealand weightlifter and trans woman Laurel Hubbard, as well as American volleyball player and trans athlete Tia Thompson, are both fighting to compete in Tokyo.

IOC guidelines currently don't say anything about non-binary athletes. Lubin is confident the Olympics will soon having non-binary athletes competing, whether they're conscious of it or not.

"We have amnesia about our own history," Lubin says. "It's silly to think there won't be any [non-binary] athletes. We exist."

Title IX, which mandated inclusion for women in sports, was passed only 46 years ago, Lubin reminds us. Think of how many female athletes we've seen rise to international fame since then.

"My hope in the years to come — the easiest, most basic step any committee can take — is recognizing internally that there are and will be non-binary athletes. That's the beginning," Lubin says. "And that alone communicates so much more to the entire world of sports."


Jim's Reply:

The Vietnam Veterans of America group recognize, welcome and label anyone who served during the Vietnam era as a Vietnam veteran. Groups like VFW won't accept us since we didn't serve in a combat zone where most who were in country were subjected to the hazards of war. Like you, I served in Germany during the Vietnam era and I've always called myself a Vietnam era veteran. The government doesn't make any particular distinctions like that but there are differences in what sort of benefits you may receive. I differentiate between my relatively peaceful service to those who served in combat by being sure that nobody would suspect me of "stolen valor" for acting as if I had done something more heroic than what I did. I'm proud of my service but I respect those who earned the combat ribbons by setting myself apart from them


Guarda il video: Sud est asiatico - Vietnam


Commenti:

  1. Nikus

    Questo non è esattamente quello di cui ho bisogno. Chi altro può suggerire?

  2. Mikasho

    Grazie per le tue preziose informazioni. È molto utile.

  3. Juan

    È straordinario, sono le informazioni preziose

  4. Kazijora

    Autore +1

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  6. Stanhop

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  7. Ashwin

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